segunda-feira, maio, 2019

Como contar histórias com suas ilustrações

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Escrito por Abigail Larson

Eu nem sempre soube que queria ser ilustradora, mas sabia desde muito cedo que adorava contar histórias com meus desenhos. Eu tinha um caderno de composição que preenchia com desenhos de diferentes personagens e escrevia suas histórias nas margens da página. Trabalhei com muitos clientes maravilhosos em alguns projetos incríveis e estou feliz de poder compartilhar algumas das dicas que aprendi ao longo dos anos enquanto trabalhei profissionalmente. 

Aqui, eu vou orientá-lo através do meu processo, e mostrar-lhe como ter uma paixão pelo design e construção de personagens para criar uma peça emocionante que conta a história do personagem.

01. Decida sua história


Verifique qual é o sentimento em sua história

A ilustração é uma companhia para uma história. Então, enquanto uma história normalmente começa com um personagem, tente pensar no conto que você está contando. Que tipo de cenário ele terá, qual deve ser o humor, quão expressivas são as poses e assim por diante. Pense sobre a situação que você deseja descrever e, se quiser, faça uma apresentação e faça algumas fotos para referência, a fim de ajudá-lo a entender como as pessoas se movem naturalmente em várias situações. Em seguida, desenhe-os frouxamente. Esta é uma ótima maneira de se aquecer para o seu conceito final.

02. Criar poses de personagem


Estude seu assunto para conhecer como eles são

Conheça o assunto da sua arte. Se você for desenhá-las várias vezes ao longo, digamos, de um livro de figuras, coloque algumas poses no papel para olhar para trás como referência quando precisar posicionar o personagem em uma determinada configuração para uma ilustração mais tarde. 

03. Mantenha os esboços soltos


Crie esboços soltos para capturar seus projetos

É tentador pular direto para o seu esboço final se você tiver uma ideia específica borbulhando em sua cabeça, mas ainda é uma boa ideia produzir primeiro alguns esboços soltos. Esses gestos rápidos serão exibidos imediatamente se a pose e a composição estiverem corretas. Como tal, será mais fácil corrigir esses problemas em um desenho solto, em vez de um esboço final ou detalhado. Este também é um bom momento para brincar com diferentes características para o seu personagem, como características faciais e suas roupas e equipamentos.

04. Considere o movimento


Adicionando movimento traz drama e uma vantagem para o seu trabalho

Ter uma sensação de movimento em sua ilustração ajuda os olhos a se movimentarem pela composição e a explorar o que está acontecendo. Pense em seus personagens em formas soltas enquanto planeja sua peça. Como eles estão interagindo com o resto da cena e outros personagens? Como suas posturas mudam? Os ombros deles se inclinam? Suas costas estão arqueadas? Acima de tudo, os assuntos estão em harmonia uns com os outros?

05. Verifique suas formas 


Contraste e silhueta ajudam a criar formas

Para abordar a forma do seu assunto para transmitir uma mensagem ao espectador, pense sobre o assunto do desenho em uma silhueta. Isso ajuda você a entender a forma deles na composição e pode ver como você pode posicioná-los de uma maneira que descreva o humor e a história da ilustração.

06. Faça estudos de aquecimento


Objetos de estudo ao aquecer

É útil, ao mapear sua arte, dedicar algum tempo para praticar os pontos focais em sua peça antes de entrar no primeiro esboço. Eu gosto de fazer estudos dos objetos que quero adicionar como detalhes e fazer alguns estudos de figura para aquecer. Isso também é uma boa prática mesmo quando você não está planejando uma nova peça, mas simplesmente quer manter a forma.

07. Seja expressivo

Não são apenas características faciais que você deve focar

A expressão do seu personagem não está limitada às suas características faciais. Expressão pode ser encontrada em sua pose e movimento, e interação com seu ambiente e outros personagens. Características exageradas, como olhos arregalados e sobrancelhas viradas para cima, podem expressar medo, e pálpebras e lábios ligeiramente curvados podem mostrar contentamento. Nota: puxar longe demais em qualquer direção pode levar seu personagem a parecer caricatural.

08. Mostrar peso

Draping de roupas pode adicionar drama e uma seriedade ao seu personagem

Pense no efeito da gravidade em seu personagem. Eles estão posicionados em um ambiente normal ou estão flutuando ou caindo? Como a roupagem de suas roupas ou cabelos muda? Se houver um vento forte, o cabelo e as roupas do personagem refletirão isso e, se o ar estiver parado, a devem ficar pendurados. 

Um personagem com roupas e cabelos ondulados geralmente acrescenta drama, por isso, se a situação exigir, tenha em mente a direção do movimento.

09. Transmitir movimento através da cor


Escolha cores quentes ou frias para descrever o humor da cena

Você pode transmitir emoção com a expressão de uma figura, mas também com o humor da sua peça. Uma ilustração triste pode mostrar um personagem olhando para baixo, com ênfase em um estado emocional “baixo”, e usar uma paleta de cores dessaturadas pode acentuar isso. As cores mais quentes e saturadas apresentam um humor mais feliz e as cores mais frias e dessaturadas fazem o oposto.

10. Jogue truques com cor


Aprenda mais sobre a teoria das cores para melhorar seu trabalho

É importante entender os fundamentos da teoria das cores, mas você pode aprender observando a natureza e estudando seus artistas favoritos para ver quais paletas você mais gosta. Cores ricas e vibrantes, como vermelhos e roxos, transmitem paixão e poder, e tons suaves e frios podem proporcionar uma sensação de calma, ou até de tristeza, e tons mais quentes podem dar uma sensação de conforto e serenidade.

11. Traga equilíbrio 

Crie harmonia em sua composição equilibrando seus personagens e ambientes 

Muitos estudos práticos ajudarão você a encontrar equilíbrio em sua composição. Idealmente, você desejará que seus personagens e seu ambiente sejam harmoniosos entre si. Isso começa com uma composição que permite que os olhos do espectador se movam ao redor da cena com facilidade, e é ajudada pelo uso da cor e do tom, que separarão os assuntos um do outro e seu ambiente, enquanto ainda estiverem conectados a ele.

12. Faça uso de tons

Greyscale é seu amigo no trabalho tom

Antes de colorir uma peça, abaixo a peça para 50% de cinza no Photoshop, depois levanto ou empurro para trás cada item em escala de cinza. Eu faço isso no começo, então eu posso ver se eu tenho a quantidade certa de contraste no meu trabalho, e que ele lê facilmente para o espectador.

13. Conheça sua configuração

Tente pintar seu fundo antes de adicionar seus personagens

Mesmo que eu não precise desenhar uma sala inteira ou paisagem para uma ilustração, eu gosto de esboçá-la em sua totalidade de qualquer maneira, apenas para que eu possa ter uma ideia da configuração e entender o espaço e a perspectiva. Em alguns casos, vou pintar o plano de fundo separadamente e depois deixar o assunto cair em outra camada no Photoshop, para que eu possa movê-los, se eu precisar.

14. Pense em traje

O conteúdo do guarda-roupa de um personagem pode revelar sua identidade

O que um personagem usa diz ao espectador mais sobre ele, então é importante considerar o guarda-roupa deles quando você está planejando sua ilustração. Qual é o período de tempo? O que eles estão fazendo nesta cena? 

Se é um personagem de fantasia, você tem muito espaço para o design, mas ajuda a ter algum tipo de contexto histórico para basear sua fantasia e construir a partir daí.

15. Dê vida à história com detalhes


Dê ao seu espectador dicas sobre a história de fundo do personagem

Um personagem em um cenário não é suficiente para contar sua história. É quando os detalhes chegam. Pequenos detalhes na fantasia, ou em objetos na sala ou no ambiente, ajudarão a tornar a composição mais interessante, e dará ao espectador mais dicas sobre a história.

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